sábado, 16 de diciembre de 2017

LA CRÍTICA. Star Wars: Los últimos Jedi

Más allá de la Fuerza
Hay instantes cinematográficos que ya forman, de una manera cuasi inevitable, parte de la memoria colectiva, tanto de la cinéfila como de la humana en general. Leer las palabras “Hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana…” sobreimpresas en color azul sobre un fondo negro, forma parte de esa instantánea que ha quedado grabada en la retina del espectador. Y la fanfarria tan característica de John Williams acompañando a unas letras amarillas que se pierden en el espacio profundo, componen otro de esos momentos indelebles del séptimo arte.

Star Wars es más que una saga de películas. Es todo un universo que ha crecido más allá de la mente de su creador. Es un sentimiento, prácticamente una religión de nueva era, que invade y rodea al espectador desde que aparece en pantalla el letrero de Lucasfilm hasta que acaba el último crédito. J.J. Abrams lo sabía, y aunque confundía la nostalgia con la copia, su “Despertar de la Fuerza” respiraba clasicismo, amor por el blockbuster ochentero, y tenía encanto, magia. No tenía que esforzarse demasiado por vender su producto, porque esta franquicia tiene vida propia.


Pero eso no era suficiente. Lo más frustrante de aquel episodio VII era que se veía incapaz de extender el universo más allá. Y vaya si se puede. “Los últimos Jedi” viene a demostrar que todavía quedan muchas más historias que contar, que hay vida más allá de la Fuerza. Sí, no es una película perfecta, sigue teniendo momentos salidos de tono –alguna trama secundaria que no lleva a ninguna parte, algún villano de postín, cierto personaje mal presentado en la anterior que sigue arrastrando en esta, algún chiste sin demasiada gracia que resta seriedad a fragmentos de enorme trascendencia-, pero en general deja un regusto a nuevo.


Y he aquí el mayor riesgo del film dirigido con brío por Rian Johnson. “Los últimos Jedi” es un salto al vacío, una aventura que podrá indignar a los fans más cerrados de mente por su osadía, por pervertir algunos de los postulados más sagrados de la saga, por ofrecer momentos de auténtico asombro que podrían ser tildados por algunos de herejía o ridiculez. Es una cinta que se desmarca de todo lo visto hasta ahora en la serie de películas, pero sin dejar de pertenecer al mundo creado por George Lucas. Porque por mucho que se distancie de ella, al final lo que queda es esa nueva esperanza de que todos podemos iniciar nuestra nueva rebelión, de que todos podemos estar llamados a ser algo más de lo que somos, de que no somos unos Don Nadie. Nos invita a mirar a las estrellas, a soñar. He ahí la magia de Star Wars.

A favor: lo bien que sabe desmarcarse de lo visto hasta ahora en la franquicia
En contra: alguna salida de tono, y el riesgo que asume pervirtiendo los mandamientos de la saga

Calificación ****
No se la pierda

domingo, 10 de diciembre de 2017

TAQUILLA USA. La carrera al Oscar aprovecha el vacío en la cartelera

Fin de semana más bien olvidable para una taquilla que aguarda impaciente el ciclón Star Wars. Sólo dos estrenos en estos tres días, y uno de ellos se ha llevado el gato al agua, pero en exhibición limitada.

I, Tonya, el esperadísimo biopic de la patinadora Tanya Harding protagonizado por Margot Robbie, que huele a nominación al Oscar para la actriz, consigue la mejor media por copia de toda la cartelera al recaudar 245.602$ en cuatro salas, y situándose en el puesto número 17.

El cine de la carrera de premios ha sido el gran protagonista, debido a la ausencia de películas quwe acaparen la atención. Así, The Disaster Artist añade 821 salas más a las 19 que ya tenía, y esto ocasiona que suba un 431% hasta el cuarto puesto del ranking, con 8 millones de $ en diez días. Se mantienen en el top 10 también Lady Bird y Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, aunque descendiendo espectadores y con 21 y 18 millones de $, respectivamente.

Fuera del top 10, The Shape of Water y Darkest Hour escalan posiciones, colocándose de manera consecutiva en los puestos 12 y 13, y aumentando por encima del 550% con 1,3 y 1,2 millones de $ cada una. Y lejos de los premios, Wonder Wheel, de Woody Allen, mejora un discreto 24% con 321.985$ en diez días, pero con la sensación en vista de su mantenimiento y sus críticas de que no durará mucho en cartelera.

A partir de aquí, en el podio repite Coco, que en tres semanas amasa 135 millones de $. Buena cifra, pero mejorable si atendemos a antecedentes como “Moana”, y que podría verse afectada por la llegada de “Star Wars: The Last Jedi”. Aún así, tiene todas las vacaciones navideñas para recuperar terreno, y en todo el globo sus 307 millones de $ invitan al optimismo.

Le sigue Justice League, que sigue quemando cartuchos ante la ausencia de competencia –Star Wars debería dejarla KO-, y en cuatro semanas lleva recaudados unos muy mejorables 212 millones de $. En todo el mundo supera los 600 millones de $, pero no son suficientes para una cinta de sus dimensiones.

El top 5 lo completan, en el puesto tres, Wonder, y en el quinto, Thor: Ragnarok, ambas convertidas en auténticos taquillazos. La primera ya ha alcanzado los 100 millones de $, y aún tiene camino comercial por delante durante el próximo mes, mientras que la segunda ha alcanzado los 301 millones de $. Y además, la aventura marvelita se hace con 827 millones de $ en todo el mundo.

Por último, destacar cómo Daddy’s Home 2 ha ido recuperando el terreno perdido y va salvando los muebles con sus 91 millones de $, aún con opciones a acabar en torno a los 110 millones, eso sí, lejos de los 150 millones de la primera entrega. Mientras, Murder on the Orient Express suma ya 92 millones de $, y también con opciones a rondar la misma cifra que la anterior en lo que queda de mes. A esto hay que agregar que a nivel mundial su total es de 250 millones de $, más que suficientes para una producción de 55 millones de $.

Fuente: Box Office Mojo

viernes, 8 de diciembre de 2017

LA CRÍTICA. Jim & Andy: The Great Beyond

Jim y su Mr. Hyde
Desde hace un tiempo, Jim Carrey no deja de encadenar escándalos, ocasionados por un comportamiento que podríamos denominar como perturbado. Intensas declaraciones de amor a cierta actriz famosa, testimonios sobre la falsedad que rodea al mundo del espectáculo, y al que vivimos día a día, alguna que otra carta de una ex novia suicida que le define como un monstruo…

Este documental podría darnos la explicación a semejante comportamiento, o bien distraernos del verdadero fondo del asunto. Según la película de Chris Smith, el Jim Carrey que conocíamos, el que triunfó en los años noventa a base de carcajadas y muecas imposibles, el que se metió a la crítica y al público de manera inmediata en el bolsillo con “El show de Truman”, murió hacia finales de esa década.

Así, ¿qué nos presenta “Jim & Andy: The Great Beyond”? En primera instancia, el proceso de transformación radical que sufrió el intérprete para dar vida al ídolo de su infancia, Andy Kaufman, en esa maravilla titulada “Mano on the Moon”. O al menos lo que él consideraba que habría hecho su referente. Porque Carrey jamás conoció a Kaufman, sólo se limitó a imitar la imagen que proyectaba el cómico en los escenarios, que era justo la opuesta a la que el verdadero Kaufman tenía, según sus amigos y familiares, en la intimidad. ¿Cómo lo hizo? Pues molestando a todo el equipo técnico y artístico, convirtiéndose en Andy las 24 horas del día, y lo que es peor, en Tony Cliffton, su despreciable alter ego. ¿El resultado? Tensión en el plató, un Milos Forman que no sabía cómo lidiar con el actor, y algún que otro compañero que llegó a las manos con Carrey, como el ex luchador Jerry Lawler.


Carrey llevó demasiado lejos su caracterización, a cambio de una doble meta de consecuencias opuestas y nefastas. La primera, dar una de las mejores interpretaciones de toda su carrera. La segunda, sacar a relucir el Mr. Hyde que llevaba dentro, ese ser hastiado de la fama y el reconocimiento que hoy en día proclama a los cuatro vientos que todos llevamos una máscara para agradar a los demás.

No le falta razón, pero también es cierto que fue demasiado lejos. Más allá de lo permisible, como reza el subtítulo de este trabajo, que bascula entre lo real y lo ficticio, entre lo absurdo y lo verosímil, que a veces puede resultar repetitivo en su exposición, pero que finalmente se torna fascinante por el carácter imprevisible de su protagonista. Fascinante y perturbador, por no saber hasta qué punto es real lo que vemos. Más allá de ser simplemente el retrato de un rodaje, de una caracterización, es la historia de aquel genial cómico, que perdió la sonrisa para siempre. Como si viviera en uno de los sketches del propio Kaufman. Uno que no tenía gracia, que llevaba al límite el humor y la paciencia del respetable. No sabemos dónde empieza esa mascarada que Carrey construyó, ese Hyde que fue creciendo dentro de él, y dónde acaba la cámara oculta. Ni lo sabremos. Ésa es parte de su pesada broma, si es que lo es.


A favor: la historia en sí misma, entre perturbadora y fascinante
En contra: la pesadez y repetición de su discurso en algunos momentos

Calificación ***1/2
Merece mucho la pena

martes, 5 de diciembre de 2017

VOTACIONES 2017. Elige tus películas favoritas (Mayo-Agosto)

En unas pocas semanas cerraremos el presente ejercicio cinematográfico, y va siendo hora de retomar las votaciones de 2017. Este año, las votaciones vendrán en tres tandas de cuatro meses, para condensar los post y hacerlas más fáciles y cómodas para los votantes. Pero las bases siguen siendo las mismas:

1. Se pueden elegir hasta cinco favoritas cada mes en el formulario correspondiente. El 15 de enero de 2018 se cerrarán las votaciones mensuales y habrá una primera lista con las mejores cintas de cada mes por separado.

2. Una vez hecho el recuento, aquellas películas que tengan tres o más votos pasarán a una fase final en la que se decidirán las mejores del año, en unas votaciones que finalizarán el 31 de enero de 2018.

3. Se puede insertar mediante comentario en el formulario el título de una o varias cintas de difícil distribución en España, siempre que el año de producción sea 2017. En caso de que sí lleguen a nuestro país, se agregarán más adelante en su correspondiente mes y el comentario no será tenido en cuenta.

Damos así el pistoletazo de salida para las votaciones de mayo a agosto, contemplando única y exclusivamente los estrenados en España. Y en el siguiente enlace, las votaciones de enero a abril, Muchas gracias a todos los que participen, a ver si repetimos el éxito de participación de la pasada edición.

MAYO



JUNIO 



JULIO 



AGOSTO

domingo, 3 de diciembre de 2017

TAQUILLA USA. "Coco" domina, y "The Shape of Water" y "The Disaster Artist" maravillan

Fin de semana de relax en la taquilla USA, pasada la resaca de Acción de Gracias, y con un total que palidece ante lo logrado hace un año, cuando “Moana” hacía su entrada triunfal en la cartelera.

Un fin de semana marcado por la ausencia de estrenos grandes, lo que ha beneficiado a Pixar, que repite número uno con Coco, cayendo un positivo 49% para irse a los 108 millones de $ en diez días. Su ritmo recuerda al de “Tangled” hace siete años, por lo que se espera que en total alcance una cifra en torno a esta, 200 millones de $, a la espera de ver si las navidades le dan cuerda. En todo el mundo, 280 millones de $, aún con bastante camino por delante.

En el top 5, pues los títulos relevantes de las pasadas semanas. Justice League roza ya los 200 millones de $ en tres semanas, y posiblemente acabe sus días en torno a los 230. En todo el globo el acumulado es de unos nada negativos 567 millones de $, pero su dato sigue siendo muy mejorable para el tipo de producto que es. Le sigue Wonder, que sí se mueve más en el terreno del taquillazo con 88 millones de $ en el mismo intervalo de tiempoHa sido de nuevo Pixar.

Completan la lista Thor: Ragnarok, con unos apabullantes 291 millones de $, y Daddy´s Home 2, cuyos 82 millones de $ no son para presumir, y que quedan en casi la mitad de lo cosechado por su predecesora. La cinta de Marvel sí que puede presumir de los poderosos 812 millones de $ que ya abarca en todo el mundo, aún con fuerzas para los 900.

Lo más relevante en materia de estrenos ha llegado del mercado limitado. Aquí ha brillado con luz propia lo nuevo de Guillermo del Toro, que se hace con la mejor media por copia. The Shape of Water entra directa al puesto 17 con 166.800$ en dos salas, lo que le augura una buena acogida del público. En segundo lugar en cuanto a media por sala tenemos otra de las protagonistas de la carrera de premios, The Disaster Artist, que en 19 cines ha debutado en el puesto número 12 con 1,2 millones de $. La tercera en discordia es la nueva de Woody Allen, con la que el neoyorquino repite el comportamiento de cintas menores como “Irrational Man” o “Magic in the Moonlight”, pero con unas críticas mucho más desastrosas. Su Wonder Wheel se conforma con 140.555$ en cinco salas, y si llega mucho más lejos será por el buen nombre de su director.

Destacar por último el reestreno de Titanic por su vigésimo aniversario, que no es que haya levantado excesivas pasiones, pero que añade otros 415.000$ a la icónica película de James Cameron. Su total, 659 millones de $, ya es historia del cine igualmente.

Fuente: Box Office Mojo

domingo, 26 de noviembre de 2017

LA CRÍTICA. Creep 2

Terror de verdad
Habría que preguntarse qué convierte a una película de terror en remarcable, en digna de perdurar en la memoria. Para quien esto escribe, es sencillo. Que tras su visionado temas a la oscuridad, a quedarte solo en tu casa, que veas sombras tras las ventanas, que sientas una presencia que te acecha en el rincón menos iluminado de tu habitación. Sí, se agradece también que te lo hagan pasar mal durante la proyección, pero lo realmente complicado es lo que viene después.

Desde este punto de vista, “Creep” era una película de lo más terrorífica. Un film que hacía de su sencillez y cotidianidad sus mejores armas para provocar desasosiego in crescendo en el espectador. Y finalmente, terror. Porque lo que Patrick Brice y Mark Duplass contaban en ella podía ocurrirle a cualquiera. Josef podía ser nuestro vecino, nuestro amigo de toda la vida. La persona en la que más confiamos, y por ello la más peligrosa, podría vivir en nuestra calle, o puerta con puerta.

En su secuela, guionista y director repiten la fórmula. A todos los niveles. El found footage como excusa formal, y de nuevo un ser ávido de historias nuevas –en este caso una bloguera, desnuda en cuerpo y alma en plena devoción por sus followers- que acabará metiéndose en la guarida del lobo. Humor negro, insano, bastante puñetero, que se extiende incluso a sus sustos de manual, con los que sus creadores juegan a sabiendas de que ya forman parte de la caótica personalidad de su personaje protagonista. Y un McGuffin que viene a intentar responder a la pregunta existencial de qué le ocurre a un serial killer cuando pierde la motivación, cuando asesinar ya no le llena el alma.


Todos sus ingredientes son de sobra conocidos para los que disfrutaron o sencillamente vieron la primera entrega, pero sus responsables se resisten a ofrecer más de lo mismo. Porque pese a su carácter de secuela de fórmula heredada y extendida, casi copiada, esto no es más que un sentimiento impostado. “Creep 2” sigue sorprendiendo, sigue mostrando un carácter imprevisible, infectado por un Mark Duplass que vuelve a ofrecer todo un recital del horror en su rostro, ya adueñado de su propio personaje. Y del humor. Sigue haciendo gala de ese humor tan incómodo. Tan creepy. Es difícil saber por dónde va a tirar este juego del ratón y el lobo, por dónde va a asestar el golpe al espectador. Lo que sí es cierto, es que el mayor golpe para un servidor ha sido tener miedo a enfrentarme a la oscuridad y la soledad de mi casa. Eso, queridos aficionados al género, es terror de verdad. Gracias, Josef, Aaron… o como quiera que te llames ahora.


A favor: Mark Duplass, su carácter juguetón e imprevisible, y que provoca auténtico terror
En contra: algunos puede que solo vean más de lo mismo

Calificación ***1/2
Merece mucho la pena

lunes, 20 de noviembre de 2017

LA CRÍTICA. Cortar

El turista emocional
“Alumbrar” acababa con un truhán cazado por el paso del tiempo, en un experimento en el que el demiurgo rompía a llorar de desesperación en un giro tan descorazonador como inesperado e imprescindible. “Cortar” retoma esa idea contemplativa, no se anda con rodeos. Es una película más centrada, más madura, igual de juguetona que sus predecesoras pero con una idea en mente.

El film parte de esa premisa para volver sobre sus propios pasos. Para volver al fundamento que dio pie a esta trilogía viva, en la que Fernando Merinero se ha dejado la piel más que nunca. El cineasta, al igual que su “personaje” en el desenlace de la anterior entrega, comprende que esto supone el culmen de una etapa cinematográfica, y por ello vuelve al eje central del primer episodio. Así, ya esto no es un catálogo de viejas y nuevas novias, reales o ficticias, sino que todo gira en torno a la figura de una sola mujer que representa a todas las demás.


En torno a una mujer idealizada, que representa en sí misma el paso del tiempo. Volvemos a una isla, a una mujer, a una canción, para conformar un emotivo y nostálgico viaje a lo que quedó atrás en un espacio y un momento concretos. Todo en “Cortar” fluye con serenidad y a la vez con fluidez, con naturalidad pese a su condición de falso documental, divagando menos por el camino, con menos relleno a la vista y con un montaje más exquisito, mucho más cuidado que en las dos anteriores películas que conforman esta trilogía viva.


Y aunque hacia sus minutos finales pueda parecer que pierde algo de rumbo, no es más que una sensación impostada. Como todo lo demás en ella. Porque vuelve a encauzarse a sí misma en su escena final, para demostrarnos que Magaly, la mujer en sí, y toda esta trilogía, no son más que la catarsis y el compendio de toda una obra. Este turista emocional no es más que un hombre pegado a una cámara. Una cámara que registra una realidad que es mentira. Todo es falso. Aunque cortes, la vida sigue. El amor, el gozo y el sufrimiento también. Y el cine de Merinero, por supuesto. Para él, vida amor y cine son lo mismo. He ahí el truco. He ahí donde se halla lo vivo de este tríptico.

A favor: es la obra más madura, centrada y viva de toda la trilogía, con Merinero hablando de su propio cine
En contra: puede parecer que pierde el rumbo hacia el desenlace

Calificación ****
No se la pierda

domingo, 19 de noviembre de 2017

TAQUILLA USA. Justice League salva la taquilla, pero lejos de lo esperado

El cine de superhéroes salva la taquilla USA, pero esta vez no ha sido Marvel la encargada de conseguirlo. Warner estrena la esperadísima Justice League, y con ello levanta el total hasta los 200 millones de $, una cifra significativamente superior a la de hace un año, cuando “Doctor Strange” seguía siendo el mayor reclamo de la cartelera.

La llegada de la Liga de la Justicia ha sido más que positiva, pero no todo lo rotunda que podría haber sido. Puede que pague los platos rotos de Batman v Superman y Suicide Squad, pero lo cierto es que los 96 millones de $ que ha recaudado en estos primeros tres días saben a poco para un producto tan ambicioso, del que se esperaba que superara los 110 millones. Se queda por detrás incluso de “Wonder Woman”, y aunque tenga malas críticas, al público parece estar gustándole esta nueva aventura de DC. Aún así, mucho tendrá que sudar si quiere alcanzar los 300 millones de $, cifra que las anteriores propuestas de la factoría sí consiguieron.

De no conseguirlo, mucho tiene que convencer fuera de sus fronteras para compensarlo. Porque se apunta a que su presupuesto ha rondado los precisamente los 300 millones de $, sin contar promoción. Y dada su ambición, no puede contentarse con los 873 millones a nivel mundial de “BvS”, por ejemplo. Por ahora, su total en todo el globo es de unos nada desdeñables 281 millones de $.

La sorpresa del fin de semana la ha dado la cinta con Jacob Tremblay y Julia Roberts, Wonder. Un drama que apunta a nominación al Oscar y que ha enamorado a la crítica, traduciéndose todo en unos formidables 27 millones de $, superando ya de entrada los 20 millones que ha costado, y con altas probabilidades de convertirse en un taquillazo.

En formato limitado encontramos otro film de Oscar. Denzel Washington suena de nuevo como nominado a la dorada estatuilla por Roman J. Israel, Esq., que debuta en cuatro salas con unos magníficos 65.000$.

En los mantenimientos, el efecto premios se deja ya notar en las cifras. Lady Bird pasa del décimo al octavo puesto aumentando un 110% y exhibiéndose en 238 salas, con un total de 4,7 millones de $ en su tercera semana. Por su parte, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri aumenta también salas hasta superar el medio centenar, mejorando un 246% e irrumpiendo en el top 10, con 1,5 millones de $ en diez días. Ambas, con muchas opciones de tener una larga vida en cartel.

En el top 5, cine de mayor envergadura. Thor: Ragnarok suma ya 247 millones de $ en casa, y la friolera de 738 millones de $ en todo el mundo, con la vista puesta en los 1.000 millones. Daddy´s Home 2, en cambio, acumula 51 millones de $ en diez días, casi la mitad que su predecesora en el mismo intervalo de tiempo, y aún lejos de ser rentable –ha costado 69 millones de $. Por último, Murder on the Orient Express sí presenta un mejor recorrido gracias a su buen boca a boca, lo que la hace irse a los 51 millones de $ en su segundo asalto, y ya 148 millones de $ en todo el mundo. Ha costado 55 millones de $, por lo que acabará siendo un film rentable para Fox.

Fuente: Box Office Mojo

jueves, 16 de noviembre de 2017

LA CRÍTICA. Liga de la Justicia

ATENCIÓN: La crítica contiene spoilers ocultos. Para verlos, arrastrar el ratón sobre el texto marcado en gris
La factoría huérfana
Los cómics han explotado siempre la figura del padre ausente para conformar la personalidad del superhéroe. Debe ser duro crecer sin un modelo paterno en el que apoyarse. “Liga de la Justicia” es, desde mucho antes de su estreno, una película sin un padre definido. Zack Snyder abandonó la producción con toda la película rodada, Joss Whedon fue contratado en su lugar para reescribir parte del libreto y rodar escenas nuevas, y Warner metió el tijeretazo final. Tres posibles padres, pero no todos ellos presentes en igual medida.

Se intuye algo de Snyder en algún que otro plano que remite directamente a los cómics, en alguna escena durante su primera media hora donde reina más la seriedad, la cámara lenta y el uso de colores fríos. Pero es sólo eso, una intuición, más una sensación que una certeza. Se nota mucho más la mano de Joss Whedon en la mayor parte del metraje. En el tratamiento tan vivo del color, en los chistes forzados, en la fotografía. Es el que impone su estilo con mayor fuerza, pero poco puede hacer para convertir el producto en algo propio, con la mano impositiva del estudio detrás.


Donde un superhéroe haría de una carencia la fuente de su poder, “Liga de la Justicia” consigue todo lo opuesto. Es un film sin alma, sin un objetivo fijo, que vaga a la deriva improvisando sobre la marcha el qué pasará a continuación. Y es anecdótico que base su discurso narrativo en el sentimiento de unidad, porque es precisamente eso lo que le falta. Sí, Flash mola mucho, Aquaman tiene estilo, Wonder Woman vuelve a comerse la pantalla, Cyborg es el que quizá tiene un mayor y bienvenido desarrollo dramático, y Batman sigue siendo la encarnación del Caballero Oscuro más fiel al cómic que hayamos podido ver en la gran pantalla. Pero todos ellos funcionan mejor por separado, sin una sensación de cohesión ni unidad. Como tampoco tiene cohesión la película. La trama es sencilla y ya la hemos visto antes con mayor acierto. El villano es una mala excusa para tener a alguien contra quien luchar, pero no se intuye en él una amenaza. El guión atesora una ingente cantidad de atajos argumentales y bochornosos –SPOILER El momento resurrección de Superman es de los más ridículos que un servidor ha visto en mucho tiempo FIN SPOILER- que la acercan incluso a la categoría de parodia, coronada por una banda sonora -ahí está Danny Elfman tirando de clásicos propios y ajenos sin sentido alguno- y unos efectos especiales –SPOILER Ay, ese Henry Cavill tan descaradamente digital FIN SPOILER- que parecen de chiste.


Este film rompe con toda la oscuridad y grandilocuencia que venía mostrando la factoría hasta la fecha. Diría que incluso argumentalmente es un coitus interruptus –SPOILER De nuevo, ese momento resurrección que contradice el desenlace de “Batman v Superman” FIN SPOILER-. En ese sentido, la misma cinta es un reflejo de que Warner no sabe qué hacer con su universo cinematográfico. Algo que ya asomaba en las versiones para cine de “Batman v Superman”, “Escuadrón Suicida” y el acto final de “Wonder Woman”, y que aquí es más evidente que nunca. Han perdido totalmente el rumbo, y lo han hecho con el producto en el que debían poner más empeño. Y pese a ello, no deja de ser una película entretenida. Pero eso no es suficiente para una película de DC. Le pedimos algo más que un episodio de la “Justice League of America” televisiva. Quizá demasiado a una compañía que ahora ya sabemos que está huérfana.

A favor: que al menos entretiene, y cada superhéroe por separado
En contra: guión, montaje, efectos,… es una película que demuestra que Warner no sabe lo que hacer con DC
Calificación **
Se deja ver

domingo, 12 de noviembre de 2017

TAQUILLA USA. Will Ferrell, Mark Wahlberg y Hércules Poirot sorprenden, pero sin vencer a Thor

Fin de semana a la baja con respecto a hace un año, cuando Doctor Strange llegaba a las salas con un rotundo éxito. Esta semana, los estrenos no han sido tan grandes, pero han sorprendido a los analistas más escépticos.

En el podio, de nuevo Disney/Marvel, que cede de manera tremendamente positiva al no tener apenas competencia. 211 millones de $ lleva acumulados Thor: Ragnarok en 10 días, y en todo el mundo 650 millones de $ en tres semanas. Tiene cuerda en este último caso para llegar a los 1.000 millones de $, pero tanto en casa como fuera perderá protagonismo una vez llegue “Justice League” a los cines la semana que viene.

Ahora sí, acudiendo a los dos estrenos grandes del fin de semana, han superado todas las expectativas, disputándose la segunda plaza hasta el final. Daddy’s Home 2 gana la batalla, con 30 millones de $, situándose por detrás de los 38 millones de $ de la primera entrega. Las malas críticas no hicieron mucho daño en su momento, y ahora tampoco deberían ser un problema para que sea rentable. Ha costado 69 millones de $ y debería alcanzar al menos los 80 millones en suelo norteamericano.

Mejores reviews, aunque no magníficas, ha conseguido la nueva versión de Murder on the Orient Express, a cargo de Kenneth Branagh. Otra que sorprende a propios y extraños y se coloca con unos buenísimos 28 millones de $, y que ya empieza a ser rentable en todo el globo, donde ha recaudado 85 millones de $. Tiene buena presencia, buen casting, y al público le está gustando lo suficiente como para convertirla en un éxito.

El mejor dato del fin de semana lo encontramos, eso sí, en formato limitado. Llega la esperada Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, que en cuatro salas amasa la increíble cantidad de 320.000$. Una de las principales contendientes de la temporada de premios, aún con mucho camino por delante. Como también lo es Lady Bird, estrenada hace diez días, y que sube directa al décimo puesto rozando ya los 2 millones de $. Destacar también cómo otra con presencia segura en los premios, Last Flag Flying, mejora su dato en su segundo asalto con 241.773$ en total.

El top 5 lo completan Bad Moms Christmas, que recupera terreno perdido gracias a su extraordinario mantenimiento, con 39 millones de $ en diez días, y la posibilidad de no quedar tan lejos de su predecesora de seguir así; y Jigsaw, que sí que palidece con respecto a las anteriores entregas de la franquicia, pero que igualmente convierte sus 39 millones de $ en una cifra rentable, dado su modesto presupuesto de 10 millones de $. Además, se sitúa cerca de los 80 millones de $ en todo el globo.

Fuente: Box Office Mojo

EN SERIE. "Stranger Things 2", la unión hace la fuerza

Cuando algo sorprende, es rematadamente difícil mantener el mismo nivel de sorpresa o de originalidad. "Stranger Things 2" tenía esa ardua tarea, la de equiparar el nivel de estupefacción y asombro de todos aquellos que vimos y disfrutamos de la primera temporada.

Me gustaría decir que lo consigue, pero no es así. No es una mala temporada en absoluto, simplemente me ha resultado inferior a la anterior. Porque todo en ella suena a ya visto, ya masticado con anterioridad. Los hermanos Duffer han ido sobre seguro, han preferido no arriesgar, y han acabado ofreciendo más de lo mismo. Misma nostalgia ochentera -los momentos Ghostbusters o el baile en el instituto son para enmarcar- y prácticamente la misma trama. Muchos lugares comunes ya visitados, sin explotar ninguno de los puntos que hacían fuerte a la primera entrega de episodios. Más protagonismo, eso sí, por parte de Winona Ryder, Gaten Matarazzo –Dustin- y Noah Schnapp –Will-, los dos primeros a sabiendas de que calaron hondo en el público en la temporada anterior. Y alguna que otra agradecida incorporación al conjunto, como la de Sadie Sink –Max-, o la de Sean Astin, de cuya bonachona y simpática presencia se han valido para crear impacto en una de los momentos más sangrientos de toda la entrega.


Y algunos de dichos puntos, mal utilizados. Como ese sentimiento de camaradería y unidad de su grupo de niños protagonista. Aquí están separados prácticamente durante toda la temporada, y eso se nota a peor. Algunos, ni siquiera están, como Finn Wolfhard –Mike. El caso más alarmante es el de Millie Bobby Brown –Evelen-, que se aísla de todos hasta bien avanzada la temporada, llegando a protagonizar incluso un episodio que ya está enmarcado como uno de los peores de la serie, con una subtrama mal aprovechada que podría haber servido más como cliffhanger para la siguiente tanda de capítulos. La separación hace la debilidad, lo mismo que la unión hace la fuerza. Justamente, es cuando están unidos cuando mejor funciona.


Y lo curioso es que, pese a ofrecer al público más de lo mismo, pese a su carácter de fan service, la fórmula sigue funcionando. Será la nostalgia, será el ritmo, será la ambientación, o será que sencillamente, entretiene. Cada episodio se pasa en un suspiro, y dan ganas de ver el siguiente. Pero se agradecería más arrojo y originalidad. Es un producto al que mimar y cuidar. Si no, si repiten lo mismo en la siguiente temporada, caerá fácilmente en el olvido.

sábado, 11 de noviembre de 2017

AVANCES. Tráiler de "Cortar", el final de la trilogía viva de Fernando Merinero


Tenía una cuenta pendiente. En todos los sentidos. Para con el público. Para con su trilogía. Para con su selfie cinematográfica. Vuelve Fernando Merinero, todo un truhán cinematográfico, a coquetear con su pasado, con su arte, con las mujeres de su vida. “Cortar” es la tercera parte de la trilogía “Las 1001 novias”, de la que ya hemos hablado anteriormente en el blog.

En este falso documental,  Fernando se prepara emocionalmente para rodar en Gran Canaria su película más íntima, su reencuentro con Magaly. Tras revisar sus mutuas cartas de amor de un tiempo ya lejano, Fernando decide recuperar el macguffin de “Capturar”, y hacerse acompañar hasta Canarias por una novia falsa, por una actriz, para jugar con Magaly al mismo juego que ella utilizó con él veinte años atrás, el del misterio, el de no saber nunca si lo que se dice o hace es cierto o no… Fernando parece querer filmar el dicho ese de que “la venganza es un plato que se sirve frío”, en el mismo escenario que 22 años atrás filmó el arrebato de su pasión, ahora filma el derrumbe de su deseo por Magaly.


“Cortar” supone el culmen de lo que él denomina “películas vivas”. Un trabajo sin la participación de ninguna televisión ni subvenciones públicas, producida por Vendaval Producciones, y vendida internacionalmente por Urban Films S.L., que ya ha cosechado premios en todo el mundo, como el Premio a la Mejor Película Documental en Dada Saheb Film Festival (Delhi, India), además de haber competido en diversos festivales internacionales, como en el Marbella International Film Festival, o el Mediterranean Film Festival de Siracusa, Sicilia (Italia). A mediados de este mes, además, participará en el MUCES (Muestra Cine Europeo de Segovia).

A continuación, el tráiler de este film vivo, que podremos ver en cines a partir del 24 de noviembre.




viernes, 10 de noviembre de 2017

LA CRÍTICA. Revenge

En un bucle infernal
Resulta cuanto menos curioso que, en la última edición del Nocturna, se acompañara la proyección de “Revenge” con la del cortometraje “I´m the Doorway”, basado en un relato de Stephen King. La pieza de Robin Kasparik narra la pesadilla de un hombre sumido en su propia paranoia, que no deja de vivir, en primera persona, en sus propias carnes, una situación que, a pesar de sus variantes, se repite una y otra vez.

Y resulta curioso porque sendos trabajos podrían pertenecer a la misma sesión doble. Ambos tienen algo en común: el bucle como eje central de la narración, como piedra angular de su estructura, historia e intenciones. De hecho, hay una larga escena que ejemplifica perfectamente cuál es el espíritu de la película de Coralie Fargeat, aquélla en la que víctima y verdugo se persiguen, intercambiando constantemente los roles, alrededor de un pasillo en círculo.

Todo en ella se repite, todo suena a ya visto. No es sólo que lo que ofrezca “Revenge” sea un rape and revenge de manual, repleto de tópicos mil veces vistos y explotados con mayor sabiduría en otras cintas del mismo subgénero -¿alguien recuerda una tal “I Spit On Your Grave”?-, es que en sí misma es una cinta que se repite sin cesar. No es más que un juego del gato y el ratón extenuante, que alarga sus escenas hasta el hartazgo, y que podría haberse contado perfectamente con la mitad de su metraje.


Es decir, da la sensación de no avanzar, de estancarse continuamente y demorar el encuentro de la heroína con sus perseguidores. Como ejemplo, esa otra escena que repite el sueño dentro del sueño una y otra vez, como si no hubiera sido suficiente con una sola. Es como si a su realizadora no se le hubiera ocurrido otra manera de rellenar metraje que tirar de los mismos recursos reiteradamente. El resultado es una propuesta que se fagocita a sí misma, que se muerde la cola continuamente y avanza en círculos, repleta además de incongruencias de guión –la protagonista avanzará a pie y herida más rápido que sus perseguidores, a conveniencia del guión- que podrían haberse perdonado de haber ofrecido algo de diversión. Pero ni eso. Entretenimiento nulo, solamente ganas de estar en casa con el mando a distancia en la mano.


No todo en ella es malo, ojo. A destacar la enérgica dirección, la fotografía y un reparto solvente, encabezado por una Matilda Lutz que supone lo mejor del conjunto. Lo mejor, aunque no memorable. No si se compara con otras guerreras del subgénero. Porque nada, ni siquiera su nada disimulado y distorsionado mensaje feminista, puede prevalecer cuando no haces más que moverte dentro de un bucle infernal.

A favor: su protagonista
En contra: que se mueve en bucle y no avanza, y no ofrece nada nuevo

Calificación *
No pierda el tiempo

lunes, 6 de noviembre de 2017

LA CRÍTICA. Feliz día de tu muerte

Vive, muere y repite
Todos hemos tenido la sensación de estar viviendo un determinado momento por segunda vez. Eso que los franceses llaman déjá vu . “Atrapado en el tiempo”, convertida a día de hoy en un clásico contemporáneo por derecho propio, llevaba al extremo de lo razonable esta idea. Un periodista gruñón, antipático y pagado de sí mismo condenado a vivir el mismo día una y otra vez. Una comedia atemporal, con ecos del mejor Frank Capra, que no caía ni en sensiblerías ni adoctrinamientos, a pesar de que su original premisa daba para ello.

Desde entonces, hemos vivido no pocas visitas al mismo concepto, ya fuera en formato televisivo –la serie “Sobrenatural” ya flirteaba con la idea en un divertido episodio que cambiaba el “I Got You, Babe” por el “Back in Time” de “Regreso al futuro”, en un doble juego de referencias temporales- o en forma de inspirado entretenimiento de ciencia-ficción –la siempre reivindicable “Al filo del mañana”. Pero todas con algo en común: el uso de la original como excusa para el divertimento, sin ahondar en moralina ni dobles lecturas.


“Feliz día de tu muerte” adapta esta idea al subgénero slasher. Una scream queen, con el sex appeal e incuestionable talento de Jessica Rothe –sin duda, uno de los mayores reclamos de la cinta- metida en su particular bucle temporal mortal, esta vez con un horroroso politono como tema central cada vez que sale el Sol. Pero con una salvedad. Al final del día, su personaje sabe que va a morir a manos del asesino enmascarado de turno. Como si Sidney Prescott concentrase cuatro películas de “Scream” en una sola jornada.

El mayor punto a favor de esta comedia de terror es su honestidad. No, no pretende exprimir el discurso del film en el que se basa. Su protagonista aprenderá una valiosa lección vital, sí, pero no es el centro de interés de la propuesta. Lo que pretende Christopher Landon –responsable máximo de encarrilar por el buen camino la saga “Paranormal Activity”, especialmente en aquel spin-off latino que fue toda una sorpresa- es hacer pasar al respetable una hora y media divertida, de desconexión. Por el camino, lo cual no está de más, alguna idea ingeniosa, pero en ningún momento trata de ser más de lo que es.


Sin embargo, lo mismo que se convierte en una fortaleza, se convierte en su mayor impedimento para ser memorable. Porque “Feliz día de tu muerte” se conforma con ser eso, un divertimento para grandes audiencias. No va más allá, no tira la casa por la ventana, no se esfuerza por perdurar en la memoria. Lo que queda es sencillamente un film que se deja ver muy bien, simplemente como pasatiempo, pero que va perdiendo fuelle conforme avanza el metraje y se olvida uno de su conocida idea principal. Hasta que llega a un desenlace que echa por la borda con su facilona y convencional resolución la posibilidad de estar ante un nuevo referente del género en lo que a psychokiller se refiere. Tran convencional que, aunque suene a broma, se hace repetitiva. Una pena, pues la máscara y el concepto del asesino podrían haber dado mucho más de sí, y podría haber quedado una franquicia que explotar en el futuro. O en el pasado, que con tanto bucle temporal ya me he perdido.

A favor: su protagonista, su honestidad, y que entretiene
En contra: que no explote y exprima todas sus bazas, y que se vuelva convencional conforme avanza el metraje

Calificación ***
Merece la pena
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